Películas de Murnau de menos a más

Las 12 películas de F.W. Murnau que sobreviven han tenido un recorrido azaroso:

El camino hacia la noche se consideró semiperdida hasta 1980 y sólo en 2016 se realizó una restauración completa.

La tierra en llamas estuvo desaparecida hasta 1978, cuando se descubrió una copia casi completa en la colección particular de un sacerdote italiano que regularmente proyectaba películas antiguas en clínicas psiquiátricas.

Nosferatu siempre estuvo disponible en copias de distintas versiones montadas para la distribución internacional; la original alemana se tenía por irremediablemente perdida pero a principios de 1990 se encontró una copia en la Cinemateca Francesa. En 1995 se efectuó una primera reparación a esta copia; entre 2005 y 2006 se volvió a restaurar, agregándole la música original, y se lanzó en DVD.

Fantasma se creyó perdida durante 80 años; en 2002 apareció en Moscú un negativo original de la versión europea, que fue recuperado y restaurado por la Fundación Murnau.

Tartufo se considera "no oficialmente perdida". La versión existente es una copia de un montaje internacional.

Postal francesa de La tierra en llamas.

 

El camino hacia la noche antes y después de ser restaurada. 

 

Películas de menos a más

El lugar de cada película en la lista corresponde mayoritariamente a mi apreciación personal de la misma y de lo que espero ver en un filme de Murnau. Para mí, la emoción despertada por el ritmo, la historia, los actores y la técnica de una película determinan su valor por sobre cualquier opinión de la crítica especializada.

12) El castillo Vogelod

(Schloss Vogelöd, 1921, Alemania)

La exquisita atmósfera de un suntuoso castillo señorial, la alta sociedad reunida para la tradicional cacería de zorros, oscuros secreto de familia, la sospecha de un fratricidio... 

El castillo Vogelod es un kammerspielfilm desarrollado en un  escenario elegante, con buenas actuaciones y una historia potencialmente interesante, pero todo lo positivo se pierde frente a un exceso de diálogos y personajes nimios. La madeja "misteriosa" es fácil de desenredar, mas se prolonga con tan exasperante lentitud que llega al aburrimiento. En conjunto, todos estos elementos hacen de El castillo Vogelod la menos interesante y más soporífera película de Murnau. 

11) Fantasma

(Phantom, 1922, Alemania)

Relato moralizante de la caída y redención de un humilde y apacible funcionario público entregado en exceso a la ensoñación. Lorenz Lubota (Alfred Abel) vive en las nubes; se obsesiona hasta la locura con una hermosa dama tras verla sólo una vez y con la idea de triunfar como poeta por recibir elogios de un librero. Puesto casi en trance, cae en manos de un ladrón y un par de cazafortunas.

A nivel técnico Fantasma está muy bien. Tiene actores conocidos, buena fotografía y hermosos efectos visuales. Hay varias tramas paralelas interesantes entrelazadas a la del romántico otoñal (los personajes femeninos son los más desarrollados), pero Fantasma no consigue dejar de ser un filme flojo demasiado alargado y con un protagonista débil, cobarde e idiotizado que comete una estupidez tras otra. La tía prestamista Schwibe, magníficamente interpretada por una aterradora Grete Berger, y la hermana menor Melitta (Aud Egede-Nissen), le roban la película al irritante protagonista. Sólo para completistas de Murnau y admiradores de alguien del elenco.

10) Las finanzas del gran Duque

(Die finanzen des grossherzogs, 1924, Alemania)

Un intento de comedia con resultados medianos. Murnau se movía con habilidad en el drama pero la comedia pura no era lo suyo. Aquí revuelve lo cómico con el serial y la extraña mezcla funciona a ratos: Cambios de escenarios, conspiraciones políticas, especulaciones financieras, identidades ocultas, ricachones aventureros, la realeza rusa... Todo tratado con ironía mas sin profundizar en nada. Entretenida, simpática pero irrelevante. 

9) Tartufo

(Herr Tartüff, 1925, Alemania)

Una película de encargo que sobrevive a partir de versiones alternas. Los personajes de la sátira de Moliere se redujeron significativamente, se agregó una historia de marco como contraste y se arrojó la lanza contra los hipócritas. Funciona mejor de lo pensado, especialmente por el magnífico trabajo de cámara de Karl Freund y las acertadísimas caracterizaciones de Emil Jannings como el hipócrita Tartufo, Lil Dagover como la bella Elmira y Rosa Valetti como la engañosa ama de llaves... Pero al final la película se hace pesada por el abuso de intertítulos, una cierta carencia de ritmo y, en menor medida, la falta de personajes secundarios. La historia de encuadre termina siendo más interesante que la principal

Graciosa, visualmente hermosa, atmosférica y original, sin embargo Tartufo se queda en un "quizás..."

8) El camino hacia la noche

(Der gang in die nacht, 1921, Alemania)

La más antigua de las películas sobrevivientes de Murnau, y la única existente de las cuatro donde dirigió al mítico Conrad Veidt, es un drama amoroso de intenso simbolismo en que el destino, la pasión y las fuerzas de la naturaleza tuercen las vidas de cuatro personas.

Filme de enorme belleza visual, la potencia histriónica de los figurantes y la lentitud de ciertos pasajes hace difícil su visualización para el espectador promedio, lo que la desplaza significativamente del lugar que merece.

7) City Girl

(1930, Estados Unidos)

La historia de una camarera citadina casada abruptamente con un joven campesino sirve de arranque a Murnau para un alegato contra la discriminación y los prejuicios: En oposición a Amanecer, City Girl toma partido por la chica de la ciudad; ella es la víctima, degradada y asediada por zafios campesinos. 

La película está exenta del toque germano característico de las obras anteriores de Murnau. El realismo de la narración es claro; City Girl no difiere mucho del promedio de películas campesinas de la época incluso en su desenlace impostado. En resumen: Una historia sencilla -y a ratos desagradable- narrada con maestría; nada más.

6) La tierra en llamas

(Der brennende acker, 1922, Alemania)

Rivalidades de familia, codicia desmedida, celos, tierras malditas, un tesoro escondido, paisajes fríos y desolados... En 1922 Murnau finalizaba su aprendizaje y entraba en la categoría de gran cineasta. Este sofisticado drama rural con tintes sobrenaturales y escenarios melancólicos es prueba de ello: Hay un clima gélido permanente; el paisaje exterior cubierto de nieve es simil del diseño interior del castillo Roghof. La fotografía y encuadre son hermosos y Murnau dirige con habilidad; Stella Arbenina es sutil y conmovedora, y Lya de Putti es convincente, pero Alfred Abel está desperdiciado en un rol menor prescindible y Vladimir Gajidarov se ve un poco rígido.

La historia misma se desarrolla con facilidad y buen ritmo, mas se derrumba en un desenlace ambiguo y falaz que calla ante al irreparable daño causado por el oportunista trepador, destruyendo toda la intensidad dramática anterior.

Gratificante aunque convencional.

5) Tabú

(Tabu: A story of the south seas, 1931, Estados Unidos)

Bella y desgarradora historia de amor prohibido en los paisajes de ensueño de la Polinesia. Murnau se despide del cine con este poema en imágenes, canto a  un amor sublime capaz de enfrentar todos los obstáculos para su consumación pero condenado por dioses de piedra y códigos arcaicos que encadenan a la mujer. 

Mitad documental etnográfico, mitad drama clasico, Tabú es la obra maestra menos popular de Murnau. Su atrevido contenido (actores no blancos, tribus indígenas y religiones primitivas) la hace poco apreciada, sin embargo su rico exotismo, la impresionante naturalidad de su filmación y uno de los desenlaces más formidables, trágicos e inolvidables de la historia del cine, convierten a Tabú en una joya a revalorizar. 

4) El último

(Der letzte mann, 1924, Alemania)

La degradación del viejo portero de un lujoso hotel berlinés narrada con toda la habilidad de un Murnau en la cima de su talento. Junto a Karl Freund, libera la cámara con total audacia y maestría para contar una historia devastadora devenida en comedia: Largos seguimientos, primeros planos experimentales, enfoques subjetivos, montaje dialéctico, movimientos fluidos, perspectivas forzadas... 

Como el anciano desplazado, el portentoso Emil Jannings entrega una de sus más brillantes actuaciones. El actor tenía sólo 40 años cuando interpretó al añoso portero, dando a partes iguales magnificencia y patetismo, orgullo y humildad, alegría y dolor. Su transformación de una figura pomposa y bien erguida a un anciano vacilante y encorvado, testimonia su gran talento.

El último resulta en una exposición de la vanidad y la crueldad, de la deshumanización y la pérdida de la dignidad, de las horribles sombras de la realidad, y una acusación del maltrato a los ancianos en la sociedad moderna.

Un completo hito técnico y artístico, y una película imprescindible. 

3) Fausto

(Faust – eine deutsche volkssage, 1926, Alemania)

(No me extenderé mucho respecto a las tres mejores películas de Murnau. Ya se ha hecho muchas veces y con más fluidez en otros lugares).

Fausto es una de las películas más bellas de Murnau y del cine en general; una historia épica donde la lucha celestial entre el Bien y el Mal es definida por las obras de un solo hombre, un sabio medieval dividido entre la bondad y el egoísmo, la razón y el sin sentido, el deseo y el amor, la condena y la redención. 

La película cuenta con sólidas actuaciones del apuesto Gösta Ekman como Fausto (¡viejo y joven!), la hermosa Camilla Horn como la trágica Gretchen y  el extraordinario Emil Jannings como el miserable y canallesco Mefisto. Posee una excelente fotografía, ingeniosos y eficaces trucos visuales y notables decorados. 

Una auténtica joya del cine.

2) Nosferatu

(Nosferatu, eine symphonie des grauens, 1922, Alemania)

La primera película de vampiros y una obra maestra absoluta de principio a fin. Historia de amor y sacrificio; cuento de horror y muerte; tratado de vampirismo y navegación; lucha de la ciencia y la fe...

Cine total.

1) Amanecer

(Sunrise: A Song of Two Humans, 1927, Estados Unidos)

Una de las mejores películas de toda la historia del cine y mi favorita de Murnau. Una canción de amor recuperado y revitalizado; del poder absoluto y triunfante del verdadero y más puro Amor. 

Perfecta en todo sentido. Absolutamente imprescindible.

 

 

8 grandes "talkies" de actores silentes

Como bien sabemos los seguidores del cine mudo, la historia de que la mayoría de los actores silentes no pudo pasar al sonoro, es un mito. Muchos actores del periodo, tras algunos tropiezos menores, continuaron trabajando en el cine durante años, labrándose sólidas carreras en el nuevo formato. Los actores jóvenes y aquellos que contaban con una base teatral se adaptaron con mayor facilidad, pero no deben ignorarse los talentos excepcionales cuya fotogenia y comprensión del arte cinematográfico dieron al cine algunas obras más que dignas de mención. 

A continuación, en orden cronológico, 8 grandes películas sonoras cuyo reparto incluye a destacados actores del cine silente en roles de diversa importancia.

1) El congreso se divierte 

(Der kongress tanzt, Erik Charell, 1931, Alemania). 

Actores: Willy Fritsch, Conrad Veidt y Lil Dagover.

Chispeante opereta de comienzos del sonoro alemán en la que una joven guantera (Lilian Harvey) vive un breve y romántico idilio con el Zar Alejandro I (Willy Fritsch) durante el Congreso de Viena. Al mismo tiempo, el Príncipe Metternich (Conrad Veidt) maquina a favor de su propia causa política con ayuda de su secretario Pepi (Carl-Heinz Schroth) y de su amiga personal la Condesa (Lil Dagover). 

Se trata de una historia sencilla y anecdótica que por momentos pareciera transformarse en un drama político mayor, capturando con gran acierto el espíritu de la Viena de 1810.  

El versátil Willy Fritsch demuestra su talento para la comedia como el galante y alegre Zar y como su bobo doble Uralsky; la hermosa Lil Dagover se mueve en su terreno siendo la bella, sofisticada y coqueta Condesa francesa aliada de Metternich; sin embargo, es Conrad Veidt quien entrega la mejor actuación. Su caracterización de Metternich como un político tortuoso y manipulador que nunca llega a convertirse en villano es impecable, tanto que en su momento el personaje fue incluso más popular que el del Zar. Viéndole interactuar con el resto de personajes, se entiende que agradara tanto: Mientras los demás jefes de estado anhelan bailar comer y cantar, Metternich vive para los tejemanejes políticos, recurriendo a métodos de dudosa nobleza para girar el curso de los acontecimientos a favor de su causa. Su relación con la Condesa oscila entre la amistad y el romance, alcanzando el punto máximo en la secuencia del baile, donde por un momento sólo son una pareja más. Conrad Veidt y Lil Dagover valseando juntos es un regalo para los ojos de todo admirador de esta icónica pareja cinematográfica. 

2) El viejo y el joven rey: La juventud de Federico El Grande

(Der alte und der junge könig, Friedrichs des grossen judend, Hans Steinhoff, 1935, Alemania). 

Actor: Emil Jannings. 

Biopic en clave nazi de la juventud de Federico II El Grande (Werner Hinz), uno de los monarcas prusianos más admirados por el régimen, y la difícil relación con su autoritario padre, Federico Guillermo I (Emil Jannings). 

Aún tratándose de una obra destinada a promover la idea nazi del führerprinzip, El viejo y el joven rey es un filme apasionante por su exposición de la lucha desigual entre dos formas opuestas de ver la vida, así como del triunfo del deber por sobre el sentimiento.  

En su momento de gloria como estrella del cine hitleriano, el gran Emil Jannings personifica al Rey Soldado con la maestría que le identifica, apoderándose de cada escena en que aparece. Su interpretación de un padre intolerante, irascible, estricto hasta la tiranía y obsesionado con la dura disciplina militar, es portentosa, proyectando una sombra en el resto de personajes y empequeñeciéndolos en todos los aspectos. Sin duda uno de los grandes trabajos de un gran actor. 

3) Nace una estrella 

(A star is born, William A. Wellman, 1937, Estados Unidos). 

Actores: Janet Gaynor, Adolphe Menjou y Fredrich March. 

Amarga, elegante y hermosa película donde la joven aspirante a actriz Esther Blodgett (Janet Gaynor) asciende hasta el estrellato mientras Norman Maine (Fredrich March), el conocido actor con quien se casa, va cayendo en el olvido y el alcoholismo. 

Obra de exquisita sensibilidad estética y emocional que expone de manera equilibrada lo mejor y peor de la industria del cine: La lucha por el estrellato, el actor como un producto para la prensa amarillista, los celos artísticos, la caída desde la cima de la fama... 

El convincente Fredrich March hace un trabajo correcto como Norman; él y Esther forman una linda y conmovedora pareja cuyo recorrido amoroso llega directo al corazón del espectador. La dulce y hermosa Janet Gaynor dota de gran calidad humana a Esther, una chica tenaz, generosa, leal, dispuesta al sacrificio por amor. Ella es el centro de toda la historia y lo es con pasión; su tierno y sensible rostro expresa alegría, inocencia, ilusión y dolor de una manera exquisita. Janet Gaynor siempre consigue que sigamos creyendo en la magia y los milagros.

 

4) El gran dictador

(The great dictator, Charles Chaplin, 1940, Estados unidos).

Actor: Charles Chaplin.

Tras veinte años en el hospital, un ex soldado y barbero judío (Charles Chaplin) regresa a su ciudad en Tomania ignorando que ahora la nación es gobernada por el dictador antisemita Adenoid Hynkel (Charles Chaplin). El megalómano Hynkel planea conquistar el mundo comenzando por el país vecino, Austerlich, y para ello intenta obtener un préstamo de un banquero judío. Al no conseguirlo recrudece su opresión sobre los judíos, que se ven forzados a huir del país. 

Tras negarse por años a filmar películas habladas, Charles Chaplin debuta a lo grande en el cine sonoro escribiendo, produciendo, dirigiendo, musicalizando y protagonizando esta genial sátira que ridiculiza y condena el nazismo y las dictaduras en general. Amarga y divertida, la película auna escenas desternillantes con otras de hondo patetismo. La excelencia interpretativa de Chaplin en su doble papel de víctima y villano cala hasta el hueso del espectador, regalando algunos de los momentos más memorables de su carrera como son la afeitada al compás de Brahms o el juego con el globo terráqueo. Mención aparte para el bellísimo y emotivo discurso final, un canto al amor y la hermandad universal que, lamentablemente, no ha sido escuchado. 

5) La fuga 

(Escape, Mervyn LeRoy, 1940, Estados Unidos). 

Actores: Alla Nazimova, Norma Shearer y Conrad Veidt. 

Notable y duro melodrama sobre los esfuerzos del joven americano Mark Preysing (Robert Taylor) por rescatar a su madre alemana, la ex actriz teatral Emmy Ritter (Alla Nazimova), de un campo de concentración alemán. En su búsqueda de información y ayuda Mark conoce a la Condesa Ruby von Trenck (Norma Shearer), joven americana viuda de un conde alemán y emparejada con el oficial Kurt von Kolb (Conrad Veidt). 

Brillante y olvidado drama antinazi con una historia intrigante y entretenida a cargo de un elenco de primer nivel. Posee también un importante valor histórico por su osadia en mostrar la realidad de la Alemania nazi en una época donde la opinión pública americana todavía no dimensionaba el alcance de su peligro.  

Norma Shearer es majestuosa como la bella y elegante viuda reconvertida en directora de una escuela particular, aunque su emparejamiento con Taylor se me hace algo forzado. Mejor suerte tiene con Conrad Veidt. Kurt es encantador y aterrador a partes iguales; parece frío e intransigente, pero está locamente enamorado de su dama, siendo los celos antes que las convicciones los que le empujan a enfrentarse a Mark. Alla Nazimova debuta en el cine sonoro en un rol dramático que supera cualquier expectativa; la gran actriz proyecta el sufrimiento físico y moral de Emmy con una grandeza y dignidad a prueba de todo. Mención especial a Albert y Elsa Bassermann en roles menores.

6) Cabalga esta noche 

(Rid i natt!, Gustaf Molander, 1942, Suecia). 

Actor: Lars Hanson. 

A través del alguacil Lars Borre (Erik Blergund), un noble alemán exige horas de trabajo a los habitantes de un pequeño pueblo sueco. El joven Ragnar Svedje (Oscar Ljung) se niega a obedecer, viéndose forzado a huir al bosque y enemistándose con Jon Stånge (Lars Hanson), líder de la asamblea popular y padre de su prometida, la hermosa Botilla (Eva Dahlbeck). 

Magnífico drama rural destinado a reforzar el sentimiento antinazi en la Suecia neutral. 

El gran Lars Hanson vuelve a interpretar a un campesino como hiciera en algunos de sus mejores filmes silentes, y lo hace siendo el maestro de la actuación que siempre fue. Jon Stånge es un hombre sencillo cuya conciencia no logra superar la debilidad de su carácter. Sobrepasado por los acontecimientos y el temor, se convierte en involuntario colaborador de sus opresores, perdiendo el respeto y la amistad de sus vecinos. Paralelamente, su única hija es víctima de la maledicencia de una mujer despechada que la acusa de brujería. Lars, con su voz profunda y rostro expresivo, dota al personaje de un convulso mundo interior lleno de miedos, pesadillas y culpas. Su mejor talkie. 

7) El crepúsculo de los dioses 

(Sunset boulevard, Billy Wilder, 1950, Estados Unidos). 

Actores: Gloria Swanson, Erich von Stroheim y la participación especial de Buster Keaton y Anna Q. Nilsson. 

El mediocre escritor Joe Gillis (William Holden) conoce casualmente a la ex diva del cine silente Norma Desmond (Gloria Swanson), quien vive recluida en una mansión preparando un imaginario regreso y acompañada sólo por su mayordomo Max von Mayerling (Erich von Stroheim). 

Obra maestra absoluta sobre el cine de Hollywood, fábrica de sueños que demasiadas veces devienen en pesadillas. Homenaje-denuncia y retrato negro de la industria.  

Gloria Swanson está impecable y brilla como la altiva, delirante, egocéntrica y celosa Norma Desmond, antigua estrella enclaustrada en su vieja y atiborrada mansión. Incapaz de aceptar el paso del tiempo y la pérdida de la fama, Norma se ha retirado a un mundo propio donde todo sigue gravitando a su alrededor. Ayudada por la malsana complicidad de su mayordomo y ex marido Max von Mayerling, Norma consigue mantener por un tiempo la ilusión en un mundo donde su coche vale más que ella, la antigua diva. Erich von Stroheim hace a un lado su habitual imagen de cínico y canalla, y se transforma en un ser patético, el descubridor y marido de la otrora diva reconvertido en una pieza más de su colección de viejos trofeos. Lealtad, masoquismo amor o posesión, nunca se llega a explicar qué mantiene a Max junto a Norma, pero el grado de humillación que soporta es tan admirable como triste. Aplausos para Buster Keaton y Anna Q. Nilsson por su breve gran aparición. 

8) La noche del cazador 

(The night of the hunter, Charles Laughton, 1955, Estados Unidos). 

Actriz: Lillian Gish. 

El predicador fanático y asesino de esposas Harry Powell (Robert Mitchum) persigue a sus hijastros John (Billy Chapin) y Pearl (Sally Jane Bruce) para arrebatarles el dinero que robara su padre. Los hermanos se refugian en la granja de la estricta aunque amable anciana Rachel Cooper (Lillian Gish), quien mantiene a varios niños sin hogar.

Maravillosa y poderosa defensora de la infancia y la inocencia, Rachel Cooper personifica al bien como una anciana con rostro de niña y ojos inmensos que no se amilana a la hora de encarar a un insólito barbazul. Lillian Gish, una de las actrices más grandes de la historia del cine, regala un trabajo merecedor de todos los elogios posibles y una de las secuencias más perturbadoras del cine clásico, la de Rachel, escopeta en mano en su mecedora, acompañando el canto del malvado Harry mientras este acecha su apartada granja. 

13 grandes diablos silentes

Llegó el momento de hablar del diablo. Halloween suele ignorarlo un tanto en favor de brujas, vampiros y zombis, así que haré lo contrario y me centraré en él. Pero antes:

Tarjeta inspiradora.

Desde que en 1896 Georges Méliès hizo debutar al diablo en el cine con la película La mansión del diablo, el maligno personaje ha estado presente en una larga lista de filmes de diversa temática, calidad e intención. Esto no fue una excepción en la etapa silente, donde varios diablos destacaron por derecho propio, ya fuera como villanos o alivio cómico. Algunos tuvieron un papel primordial y otros realizaron apariciones menores y hasta anecdóticas, sin embargo su aspecto y 'diabluras' los hicieron inolvidables. 

De menos a más, la siguiente lista presenta a los 13 diablos más memorables del cine silente. No los mejores sino los que me impresionaron más. Dado que varios diablos repiten aparición, mencionaré al actor interprete antes que al personaje. ¿Y por qué 13? Porque es un número con una fama muy diabla. 

13) Reinhold Schünzel como el diablo en Historias tenebrosas 

(Unheimliche geschichten, Richard Oswald, 1919, Alemania).
En una vieja librería, las figuras de El Diablo, La Muerte (Conrad Veidt) y La Prostituta (Anita Berber) escapan de los cuadros que los representan. El Diablo y La Muerte cortejan a La Prostituta, que elige al segundo. Tras darle un buen susto al librero, los tres se dedican a leer las historias de terror que conforman la película.
Cejas negras, entradas pronunciadas y cabello oscuro cayendo en punta sobre la frente son las características más notables de este diablo risueño y aficionado a la lectura que además suelta vapor por la boca y lleva la cola doblada.  

12) Conrad Veidt como Satanás en Satanás 

(Satanas, Friedrich Wilhelm Murnau, 1920, Alemania).
Después de interpretar a La Muerte para Oswald, el gran Conrad Veidt interpretó al diablo para Murnau. Lamentablemente la película se considera perdida y los datos conservados son contradictorios. Se sabe que estaba conformada por tres historias independientes ambientadas respectivamente en el antiguo Egipto, la Roma de los Borgia y el mundo contemporáneo. En todas aparecía un personaje secundario que en realidad era el demonio intentando destruir a los protagonistas. Las pocas imágenes existentes de este diablo disfrazado de hombre muestran a un joven guapo y anguloso que no provoca exactamente miedo. 

Revisen los arcones de su sótano y el granero del bisabuelo, nunca se sabe donde podría aparecer una película dada por perdida.

11) Carl Schenstrøm como el diablo en Hacia la luz 

(Mod lyset, Holger-Madsen, 1919, Dinamarca).
La hermosa, egoísta y superficial aristócrata Ysabel (Asta Nielsen) encuentra la fe y el amor gracias al predicador Elias Renato (Alf Blütecher). Antes de convertirse Ysabel intenta seducir a Elias con su belleza y fortuna, mas él vence la tentación recordando cómo Jesús resistió a Satanás en el desierto. 

La tentación de Jesús se escenifica con un diablo bastante parecido a Mefisto, el demonio más famoso del folklore alemán. Es flaco, tiene la nariz y las orejas puntiagudas, pequeños cuernos, y va envuelto en una enorme capa oscura que el viento agita con dramatismo exhibiendo sus piernas desnudas. La breve escena está fotografiada y encuadrada con gran belleza y poesía. Interesante película sobre fe y redención.

10) Conrad Veidt como el diablo en Kurfürstendamm 

(Richard Oswald, 1920, Alemania).
Otro diablo de Veidt que sólo ha sobrevivido en fotografías. Por lo que se conoce de la trama la película pudo haber sido una comedia: El diablo abandona el infierno y se instala en una pensión de Kurfürstendamm (una popular calle berlinesa), lugar de donde parecen venir la mayoría de los condenados. Allí traba conocimiento con tres chicas interpretadas por Asta Nielsen; luego se convierte en empresario cinematográfico y actor. En un recorrido por los bajos fondos el diablo es asaltado en un callejón, situación que lo convence de regresar al infierno, un sitio mucho mejor.
Esta vez el diablo tuvo cuernos, cola y entradas profundas, pero también adquirió una agradable apariencia humana. El elenco incluía a Erna Morena, Rosa Valetti y Theodor Loos. 

A escarbar el suelo del viejo molino, quizás aparezca una lata con una copia de Kurfürstendamm.  

09) Buster Keaton como Sin Amigos en Go west 

(Buster Keaton, 1925, Estados Unidos).
Este es un diablo muy circunstancial. Sin Amigos, un solitario vaquero al servicio de un ganadero, necesita reunir las vacas de su patrón que están causando estragos en las calles de Los Ángeles. Buscando una forma de atraerlas no se le ocurre mejor idea que disfrazarse de diablo rojo y hacer que lo sigan. Acaba provocando una estampida que deviene en caos al llegar la policía y los bomberos. La vaca Ojos Castaños, única amiga de Sin Amigos, acude al rescate y el vaquero guía la manada montado sobre su lomo.
La secuencia es divertidísima y está llena de grandes momentos: Un policía intenta detener a Sin Amigos cogiéndolo por  la cola del disfraz; un borracho se para a dirigir el tránsito; un ricachón recibe un baño inesperado en su automóvil… Aunque el diablo es sólo una solución desesperada, su aparición no es fácil de olvidar. Además, ejemplifica muy bien el curioso surrealismo de Keaton: ¿Quién más que él incluiría un gran chiste sobre el color rojo en una película en blanco y negro? Mi favorita del gran cómico.

08) John Gottowt como Scapinelli en El estudiante de Praga 

(Der student von Prag, Stellan Rye, 1913, Alemania).
Bajo la forma del prestamista Scapinelli, el diablo compra al estudiante Balduin (Paul Wegener) el reflejo de su figura en el espejo. A partir de ahí el reflejo sigue a Balduin por toda Praga, volviendo su vida insoportable.
Scapinelli es un diablo inusual. Tiene nombre italiano pero visualmente parece un tortuoso estereotipo de usurero judío de mediana edad. En la presentación de personajes lleva un cuervo sobre el hombro, ave de profundas connotaciones oscuras, evidenciando que no es quien aparenta. Después, cuando saca el reflejo del interior del espejo, no queda ninguna duda, ¿qué hombre podría hacer eso? Al final, muerto Balduin, Scapinelli se burla de él de un modo simplemente estremecedor. Un diablo perverso y ambiguo para una película totalmente imprescindible.

07) Benjamin Christensen como el diablo en Haxan, la brujería a través de los tiempos 

(Häxan, Benjamin Christensen, 1922, Dinamarca y Suecia).
Impresionante y didáctico documental acerca de la brujería, con un complejo y magnífico despliegue técnico para las recreaciones de aquelarres, torturas y juicios a supuestas brujas. El director se reserva el papel del diablo, que contiene todas las características clásicas del mito cristiano popular: Cuernos, cola, vientre abultado, garras, lascivia… Es un demonio aterrador que alcanza altas cuotas de molestia y desagrado, a la vez que ejemplifica la oscuridad, maldad e ignorancia del propio ser humano. Película obligada para todo cinéfilo.

06) Werner Krauss como Scapinelli en El estudiante de Praga 

(Der student von Prag, 1926, Henrik Galeen, Alemania).
El primer remake de la magnífica película de Stellan Rye brilla con luz propia gracias a su elenco y dirección. Conrad Veidt toma el papel del pobre estudiante Balduin y Werner Krauss el del falso prestamista Scapinelli que lo engaña para quedarse con el reflejo de su imagen. Krauss da a su personaje unas características siniestras incluso más marcadas que en la versión de 1913. Su risa grotesca y los poderes sobrenaturales con que provoca el accidente de la sosa condesa Margit (Ágnes Esterhazy) y hace aparecer una montaña de dinero, sorprenden y asustan por igual. Hermosa película que cierra simbólicamente el cine expresionista. 

05) Aleksandr Chabrov como Satanás en Satanás triunfante 

(Satana likuyushchiy, Yakov Protazanov, 1917, Rusia).
Fingiendo ser un viajero cojo, Satanás pide hospedaje en casa del estricto, lúgubre y represor pastor Talnoks (Ivan Mozzhukhin), quien vive en compañía de su cuñada Esfir (Nathalie Lissenko) y del marido de esta, Pavel (Pavel Pavlov). Satanás tienta a Talnoks y Esfir con música y frases equívocas hasta hacerlos caer en un adulterio que tendrá como consecuencia un apuesto y dulce hijo, Sandro (Ivan Mozzhukhin), pero también muerte y dolor.
Sin necesidad de cuernos ni peinado mefistofélico, el diablo ruso consigue alarmar con sus dotes musicales y una sonrisa insinuante y burlona que a ratos logra aterrar. Película interesante y muy bien actuada.

04) Helge Nissen como Satán en Páginas del libro de Satán 

(Blade af satans bog, Carl Theodor Dreyer, 1921, Dinamarca).
Por orden divina Satán debe tentar gente a lo largo de la historia. Si logra derribar a alguien su condena eterna será aumentada, si no lo consigue la condena se reducirá. Se muestran cuatro formas humanas adoptadas por Satán para engañar a potenciales víctimas. Primero la de un fariseo para tentar a Judas; luego la de un inquisidor para engañar a un monje; después la de un jacobino para derribar a los aristócratas durante la Revolución Francesa; por último toma la apariencia de un monje ruso para intentar perder a una joven soldado del ejército blanco.
Satán se esfuerza en cumplir su trabajo, pero al conseguir la caída de sus víctimas experimenta remordimientos y pesar, lamentando haber triunfado. Es un Satán que anhela la redención y la gracia divina, cada vez más lejanas para él. Sobresaliente película de uno de los maestros indiscutidos del séptimo arte.

03) Ugo Bazzini como Mefisto en Rapsodia satánica 

(Rapsodia satanica, Nino Oxilia, 1917, Italia).
Mefisto concede la juventud a la anciana condesa Alba (Lyda Borelli) a condición de que nunca se enamore. Ella, digna representante de la diva del cine italiano, no puede evitar caer perdida, atormentada y desesperadamente enamorada del joven Tristano (Andrea Habay).
El diablo alemán se da un paseo por Italia casi sin cambiar su imagen característica: Cejas rectas, nariz ganchuda y un manto de un precioso rojo oscuro cortesía del poético entintado. También posee algo de picardía y una crueldad tortuosa rematada cuando engaña a la condesa con la romántica imagen de un jinete al que ella confunde con su amado Tristano. Alba acude a su encuentro y Mefisto le arrebata su segunda juventud, como sin duda siempre pretendió. La obra maestra de las películas de divas.

02) Emil Jannings como Mephisto en Fausto 

(Faust, Friedrich Wilhelm Murnau, 1926, Alemania).
Este fue mi diablo silente favorito hasta que conocí al que ocupa el primer puesto. Jannings da la imagen e interpretación definitivas para Mefisto, el diablo que intenta perder al doctor Fausto (Gosta Ekman): Peinado en punta sobre la frente, cejas rectas, gorro con una larga pluma y un manto de seda oscura; cinismo, canalladas y amargura. 

Cómica, elegante y horrible a la vez, la mejor versión de Mefisto es un icono popular referenciado, imitado, plagiado y homenajeado pero nunca superado, que hace olvidar el verdadero aspecto de este diablo: Una gigantesca criatura cornuda cubierta de plumas y pelo negro y provista de alas incluso más grandes. Un diablo sin rival en una película majestuosa.

01) Ivan Mozzhukhin como el diablo en La Nochebuena 

(Notch pered rozhdestvom, Wladislaw Starewicz, 1913, Rusia).
Durante la noche anterior a la Navidad, un diablo coquetea con una bruja (Lidiya Tridenskaya) y causa algunos problemas menores en una aldea ucraniana antes de recibir su merecido a manos del herrero local (Petr Lopukhin).
Algunos años antes de ser tentado dos veces por el maligno en Satanás triunfante, Ivan Mozzhukhin dio vida al diablo más feo, alocado y simpático del cine silente. Un diablo con cara de cerdo y cuerpo lanudo y cochambroso que se divierte haciendo morisquetas, robando la Luna, dando saltos y giros, y provocando una tormenta de nieve por el solo placer de molestar. 

Uno de los primeros grandes trabajos de Mozzhukhin, sin él y sus traviesas diabluras la película carecería de interés. Definitivamente mi diablo favorito de todo el cine mudo.

Mención honorífica (o diablo 14 para los supersticiosos del número 13).

Einar Rød como Söfren en La viuda del párroco

(Prästänkan, Carl Theodor Dreyer, 1920, Dinamarca).
Este diablo emparenta con el de Buster Keaton en Go west al tratarse sólo de una jugarreta. Un joven párroco se ve obligado a casarse con la anciana viuda de su predecesor. Intentando hacerla huir de la casa trata de asustarla disfrazándose de diablo, pero la esposa (Hildur Carlberg) descubre fácilmente la treta: El ridículo disfraz del párroco parece cualquier cosa extraña y grotesca menos un diablo, y no ayuda que se dejara puestos sus propios calcetines. 

Hermosa comedia dramática del maestro danés.

 

Esta fue una selección de diablos de todos los gustos, estilos y nacionalidades. Algunos los conocí hace ya varios años, otros más recientemente. Espero ir conociendo muchos más y asustarme con ellos. 

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¡Feliz Halloween 2022!