Los 12 cines más antiguos aún activos

las primeras cintas de los Lumière se proyectaron en pequeños salones arrendados para tal fin. Estas presentaciones casi experimentales fueron tan exitosas que los Lumière recibieron una avalancha de peticiones para mostrar la maravilla del cinematógrafo. Lo hicieron a gran escala: Operadores de cámara y agentes de la fábrica Lumière se desplazaron por todo el globo enseñando el invento. Así, en un breve espacio de tiempo desde su presentación oficial, el cinematógrafo fue conocido y utilizado en lugares entonces muy distanciados: China, México, India, Argentina y Rusia, entre otros países, efectuaron sus primeras filmaciones en 1896.

El cine había llegado para quedarse y su popularidad no dejaba de crecer. A las filmaciones de la vida cotidiana siguió la creación de la narrativa cinematográfica. De los salones privados el cine pasó a las barracas de feria, mas no se quedó allí por mucho tiempo. Su rápida rentabilidad propició la creación de las "salas de cine", hoy llamadas simplemente "cines".

Las salas de cine proliferaron en todo el mundo. Algunas en viejos teatros adaptados, otras en edificios construidos especialmente para tal uso. La mayor parte de esos primeros cines ya no existen, pero en casi todo el mundo algunos consiguieron sobrevivir al tiempo y sus cambios.

A lo largo de más de cien años de historia muchos cines han reclamado el título de "el más antiguo del mundo todavía en funcionamiento". El problema está en que, como ya apunté, el cine se popularizó rápidamente en muchos países a la vez. ¿Cómo saber entonces cuál(es) fue(ron) primero? Quizá nunca se sepa.

Aquí presento una lista de 12 cines que entraron en función entre 1896 y 1910 en 11 países diferentes, y que continuan activos.

Son los más antiguos e interesantes que pude encontrar y una muestra de la universalidad de ese espectáculo y arte que tanta emoción nos ha regalado. 

Nota: ¡Varios poseen el título oficial del más antiguo activo según los Guinness!

01) Regent Street Cinema

País: Inglaterra

 Ciudad: Londres

Inauguración: 1896

Inaugurado como teatro en 1848, fue escenario del debut del cinematógrafo de los Lumière en Inglaterra en 1896. Desde ese año el Regent Street es ampliamente considerado la cuna del cine en Gran Bretaña. Hoy en día funciona como un cine independiente.

02) State Theatre

País: Estados Unidos

Ciudad: Washington, Iowa

Inauguración: 1897

El cine más antiguo de Estados Unidos y, supuestamente, del mundo en funcionar de manera continua. Abrió sus puertas en 1893 como Graham Opera House y comenzó a proyectar películas el 14 de mayo de 1897 utilizando un cinematógrafo de fabricación parisina. Actualmente posee el récord oficial de los Guinness como la sala de cine más antigua del mundo en funcionamiento ininterrumpido.

03) Teatro Alfonsetti

País: España

Ciudad: Betanzos, Galicia

Inauguración: 1897

Inaugurado originalmente como teatro en 1882, empezó a proyectar películas en 1897. Situado en un viejo inmueble donde se encontraba un convento, actualmente el Teatro Alfonsetti pertenece al municipio de la hermosa y muy gótica localidad de Betanzos, que organiza proyecciones gratuitas en el mismo. Es el cine más antiguo de España. 

 

04) Eden-Théâtre 

País: Francia

Ciudad: La Ciotat

Inauguración: 1899

Abierto como teatro el 15 de junio de 1889 en la ciudad costera de La Ciotat, cerca de Marsella, este histórico teatro fue el lugar donde los Lumière proyectaron algunas de sus primeras películas en 1895. Convertido oficialmente en cine en 1899, posteriormente sufrió años de abandono hasta que una restauración permitió su reapertura en 2013. Abierto todo el año, funciona como cine y zona de conciertos. Posee el récord Guinness como la sala de cine más antigua del mundo en funcionamiento.

 

05) Daguanlou Cinema

País: China

Ciudad: Pekín

Inauguración: 1903

El cine más antiguo de China fue establecido por Ren Quingtai, "el padre del cine chino", en el histórico barrio Dashilan del distrito comercial de Quianmen, Pekín. Desde sus inicios se caracterizó por adoptar todos los avances cinematográficos que iban apareciendo a nivel mundial. 

Semidestruido por un incendio en 1976, el Daguanlou Cinema reabrió sus puertas en 1987 y en 1991 agregó una sala de lujo. El 2005 fue restaurado y modernizado como parte de la conmemoración del centenario del cine chino. Continua activo como cine y museo pese a la dura competencia de las plataformas virtuales de exhibición de películas. 

   

06) Biografen Saga

País: Suecia

Ciudad: Kalmar

Inauguración: 1906

Abierto el 12 de febrero de 1906, el Biografen Saga (originalmente llamado Göta y después Biorama), fue construido en una pequeña villa de madera del siglo XIX. Entre 1926 y 1971 estuvo dirigido por Carl Albien, pionero de la industria cinematográfica local que en la década de 1930 lo hizo adornar con murales que aún se conservan. Fue renovado en 2010 y es el cine en activo más viejo de Suecia.

 

07) Cinéma du Panthéon

País: Francia

Ciudad: París

Inauguración: 1907

Ubicado en el famoso Barrio Latino de París, es uno de los cines más antiguos de la capital francesa. A finales de la década de 1920 su dirección fue tomada por el productor Pierre Braunberger, quien se mantuvo al frente por sesenta años y convirtió al du Panthéon en un cine moderno y popular. El filósofo Jean-Paul Sartre, el poeta Jacques Prévert y los cineastas de la Nouvelle Vague fueron asiduos espectadores. 

En 2007, con motivo de su centenario, el cine fue completamente renovado, agregando un restaurante y un salón para reuniones de cinéfilos.

 

08) Moviemento

País: Alemania

Ciudad: Berlín

Inauguración: 1907

Fue fundado en 1907 en el primer piso de un edificio de Kottbusser Damm, la populosa avenida que separa los barrios de Kreuzberg y Neukölln. Moviemento -que ha tenido varios nombres a lo largo de su historia; el actual lo obtuvo en 1984- es el cine en funcionamiento más antiguo de Alemania. Se caracteriza por la exhibición de filmes no comerciales (cine de autor, documentales y películas políticas).

En 2007 fue sometido a una completa renovación y en 2024 de reinauguró simbólicamente tras años de amenaza de demolición. 

 

09) Korsør Biograf Teater

País: Dinamarca

Ciudad: Korsør, Selandia

Inauguración: 1908

El cine en funcionamiento más antiguo de Dinamarca hoy es gestionado por cinéfilos voluntarios. Realiza exhibiciones de cine clásico y moderno, y películas de autor; también se utiliza para conciertos, conferencias y eventos locales.

El 25 de julio de 2008 fue incluido en el Libro Guinness de los Récords como el cine más antiguo del mundo en funcionamiento continuo. 

 

10) Breitenseer Lichtspiele

País: Austria

Ciudad: Viena

Inauguración: 1909

Comenzó a funcionar en 1905 como un cine ambulante en una carpa. En 1909 se mudó a su ubicación actual en la esquina de un edificio comercial, siendo un ejemplo de ladenkino. Hoy es un cine de autor que exhibe sólo películas nacionales y europeas, y realiza proyecciones regulares de cine mudo con acompañamiento de piano. Es el cine más antiguo de Austria.

 

11) Khudozhestvenny

País: Rusia

Ciudad: Moscú

Inauguración: 1909

Ubicado en la plaza Arbátskaya de Moscú, abrió el 10 de noviembre de 1909 con el nombre Art Electro-Theater. Fue el primer edificio construido en Rusia específicamente para exhibir películas y hoy es el cine más antiguo del país. En 1912 fue remodelado por el famoso arquitecto Fiódor Schekhtel, quien le dio su característico estilo modernista. El cine incluye un bar, un restaurante y una biblioteca. 

Fue elegido para estrenar la obra maestra del cine soviético El acorazado Potemkin, en 1926.

En 2021 finalizó una profunda y costosa restauración del Khudozhestvenny que le transformó en uno de los cines más hermosos y elegantes del mundo. 

 

12) Cinema Pastene

País: Chile

Ciudad: Capitán Pastene, Región de La Araucanía

Inauguración: 1910

Es el cine más antiguo de Chile y Sudamérica; fue construido por la familia de emigrantes italianos Rosatti y hoy pertenece a los Viani Castagnoli, que lo compraron en la década de 1940. Tras años de abandono, fue restaurado por René Viani.

El Pastene es un cine privado que por falta de recursos sólo realiza exhibiciones en fechas especiales. Destaca por mantener intacta su estructura original de zinc y madera, además de butacas, afiches y proyectores de la época del cine primitivo.

 

 

Animación silente en la era sonora

Los dibujos animados, el formato de animación más popular, entró en la era sonora casi al mismo tiempo que el cine. Primero con sonido sincronizado, es decir, música e imagen grabados en la misma cinta, y luego con diálogos.

No obstante, los cartoons sin diálogos mantuvieron su atracción. Esto porque el humor físico, uno de sus rasgos característicos, permite narrar historias que trascienden los límites de cualquier idioma. Así, dos de las caricaturas estadounidenses más populares de la era sonora prácticamente no contienen diálogos: Tom y Jerry (1940), de William Hanna y Joseph Barbera; y El coyote y El correcaminos (1949), de Chuck Jones para Warner Brothers. Ambas obras pasaron con éxito del cine a la televisión y cautivaron a generaciones con sus cortometrajes de persecusiones y golpes.

La pantera rosa (1963), de Fritz Freleng y Hawley Pratt según una idea de Blake Edwards, fue la última caricatura americana sin diálogos en alcanzar un éxito arrollador.

Por supuesto, estas caricaturas iban dirigidas principalmente al público infantil, ávido consumidor de las mismas desde la década de 1930. Los adulto se habían marginado desde que el Código Hays censuró muchos cartoons.

Así, cuando en 1940 Walt Disney presentó la película adulta Fantasía, recibió el elogio de la crítica especializada pero no obtuvo el reconocimiento del público. Fantasía, una de las obras más bellas y artísticas de la factoría Disney, está formada por siete segmentos animados que acompañan/reinterpretan piezas de música clásica; los únicos diálogos corresponden al presentador. Lamentablemente, la infantilización de la animación (entre otros factores) evitó que en su momento Fantasía llegara a su verdadero público y recibiera el aprecio que merece.

 

La supremacía de los dibujos animados creados en Estados Unidos llevó a otros países a adoptar e imitar su técnica y contenido, aunque también se usaron otras formas de animación como el stop motion con figuras de papel. 

En Inglaterra, en el apartado de la animación [cuasi] silenciosa destaca Snip y Snap (1960), serie de 26 episodios producida por Halas & Batchelor y protagonizada por tres perro de papel creados con origami y kirigami.

En Canadá, la Junta Nacional de Cine (NFB) no tuvo un departamento de animación oficial hasta 1943, cuando se contrató al destacado animador y cineasta Norman McLaren. McLaren inició la experimentación con diversas formas de animación, convirtiendo a Canadá en una de las naciones con más animadores de excelencia y capacidad reconocidos y solicitados a nivel mundial.

A partir de la década de 1980 otras organizaciones independientes siguieron contribuyendo a la exploración del arte de la animación en Canadá. Estas compañías y la NFB han producido una variedad de cortos sin diálogos premiados en diversos festivales de cine y animación. Algunas obras a destacar:

—Boomsville (Yvon Mallette, 1968)

—El leon y el ratón (The Lion and the Mouse, Evelyn Lambart, 1976)

—El castillo de arena (The Sand Castle, Co Hoedeman, 1977)

—El jardín de los ecos (Le jardin d'écos, Co Hoedeman, 1997)

—El hombre sin sombra (L'homme sans ombre, Georges Schwizgebel, 2004)

—Home Security (John Weldon, 2004)

—Madame Tutli-Putli (Chris Lavis y Maciek Szczerbowski, 2007).

Alemania posee el honor de ser el país donde se realizó el primer largometraje animado: Las aventuras del príncipe Achmed (1926), delicada obra de Lotte Reiniger, maestra de la animación de siluetas. Otros cortos de Reiniger:

—Arlequín (Harlekin, 1931)

—El corazón robado (Das gestholene herz, 1934)

—Una noche en el harén (A Night in a Harem, 1958)

Hoy el estudio Film Bilder, fundado en 1989, produce filmes de animación utilizando todas las técnicas posibles.

Arlequín (1931).

Francia recibió múltiples elogios y premios por sus cortos de animación, aunque los más destacados aparecieron recién en la década de 1970. Merecen mención: El actor (L'Acteur, Jean-François Laguionie, 1975), sobre la identidad del artista, y Ave nocturna (Oiseau de nuit, Bernard Palacios, 1975), fábula oscura que explora el aislamiento físico y espiritual. 

Bélgica legó la melancólica La sirena (Sirène, 1968) de Raoul Servais.

El actor (1975).

La auténtica animación adulta tuvo su sede en Europa del este, con Rusia a la cabeza. Formada la URSS, la calidad, originalidad y variedad de la llamada "animación soviética" (que engloba obras de Rusia, Polonia, Checoslovaquia y otros países de Europa como Yugoslavia) alcanzó renombre a nivel mundial. Allí se experimentó con una amplia gama de técnicas y materiales: Animación de dibujos (figurativos y abstractos) sobre papel y laminas de vidrio; de marionetas, siluetas recortadas y juguetes; de figuras articuladas de cartulina, madera, metal, tela e incluso vidrio. El stop motion despertó un enorme interés, desarrollándose sus variantes de la plastimación y la pixilación... ¡También se experimentó con el dibujo por computadora!

Financiada por el gobierno, la animación soviética no escatimó en gastos, a diferencia de lo que intentaban países más industrializados; en consecuencia, sus películas tenían mayor calidad que las occidentales. Además, como rasgo distintivo, solían carecer de la violenta natural de la animación estadounidense, centrándose en la psicología y el humor para captar la atención. 

Si bien el punto más alto de la animación soviética estuvo entre 1960 y 1980, de los años anteriores hay que destacar los cortos checos El millonario que robó el sol (O milionári, který ukradl slunce, Zdenek Miler, 1948) e Inspiración (Inspirace, Karel Zeman, 1949), y el yugoslavo Piccolo (Dušan Vukotić, 1959), donde una pequeña discusión entre vecinos escala hasta acabar en un enfrentamiento épico. 

Elegantes marionetas de vidrio en Inspiración (1949).

La animación soviética era arte puro. La ideología política estaba ahí pero no como elemento principal. Las técnicas y los relatos eran lo más importante. 

Obras mudas destacadas existen las suficientes como para afirmar que la animación silente nunca desapareció. Polonia legó algunas de las mejores, como:

—Esperando (Oczekiwanie, 1962), de Witold Giersz y Ludwik Perski; mezcla de acción real y animación de figuras de damas y señores creadas con servilletas de papel retorcidas. Fue premiada en Cannes y en el Festival Internacional de Cine de Edimburgo.

—Baran (1965), de Zofia Oraczewska; dibujos animados. Las desventuras de un insomne acechado por una de las ovejas que cuenta para intentar dormir.

—Cajas (Klatki, 1966), de Mirosław Kijowicz; dibujos animados sin color. Un guardia y un prisionero juegan armando figuras con piezas geométricas; cuando el guardia se siente superado en su capacidad creativa, arrebata al prisionero las piezas y luego sus conocimientos. Obtuvo el Gran Premio en el Festival Internacional de Cine de Animación de Annecy.

—Caballo (Koń, 1967), de Witold Giersz; pintura sobre vidrio. Historia de un caballo que se niega a ser dominado por un hombre. 

—Las escaleras (Schody, 1969), de Stefan Schabenbeck; plastimación. El alucinante viaje de un hombre por un dédalo de escaleras y su aterradora conclusión. 

—Invasión (Inwazja, 1970), de Stefan Schabenbeck; dibujos animados. Una nave espacial aterriza en un entorno extraño y de inmediato inicia excavaciones y perforaciones que llevan a un final sorprendente. Obtuvo varios premios en festivales de cine. 

—Licantropía (Lykantropia, 1981), de Piotr Dumala; dibujos animados simples. Lobos cazando lobos y una oscura vuelta de tuerca.

Otros cortometrajes soviéticos mudos destacados: 

—Surogat (Dušan Vukotić, Yugoslavia, 1961)

—Lutkica (Borivoj Dovniković-Bordo, Yugoslavia, 1961)

—Una bola de lana (Klubok, Nikolay Serebryakov, Rusia, 1968)

—La bailarina en el barco (Balerina na korable, Lev Atamánov, 1969).

Desde mediados de los 90 del siglo anterior, la animación muda ha ido en alza. Cortos adultos, familiares e infantiles de stop motion y dibujos animados son producidos por estudios y particulares a nivel mundial. Los festivales y premios se han multiplicado y popularizado. Incluso se están filmando largometrajes. ¡La animación silente está de moda!

¿Por qué de pronto parece haber un gran mercado abierto para el cine animado mudo? Las razones son variadas. Intentaré resumirlas. 

El cine mudo maneja un lenguaje universal. Al carecer de palabras, los actos y expresiones se convierten en transmisores de un mensaje comprensible en cualquier idioma. 

La falta de diálogos reduce el exceso de saturación sonora, ayudando a la concentración del espectador. El silencio (total o parcial) intensifica la percepción emocional, haciendo que el espectador deduzca el significado de las imágenes; esto es más personal que un diálogo directo.  

Un cortometraje dura entre 1 y 20 minutos. Los más populares rondan los 8 minutos. La eliminación de diálogos evita que la historia se sienta apresurada. 

A nivel comercial, los cortos sin diálogos son más baratos y fáciles de distribuir globalmente al no necesitar doblaje ni subtitulado. Este aumenta sus posibilidades de participar en festivales y ser emitidos en canales online. 

El juego de Geri (Geri's Game, Estados Unidos, 1997),

famoso y multipremiado corto de Jan Pinkava.

Pediatras y especialistas en infancia coinciden en recomendar la animación sin diálogos. El ritmo lento, el humor visual y la sencillez narrativa de estas historias ayudan a una mejor comprensión y favorecen la imaginación infantil. 

Alas (Wings, Estados Unidos, 2007), de Casey McDonald.

 

La vida de la Muerte (The Life of Death, Estados Unidos, 2012), de Marsha Onderstijn.

Conclusión: La animación silente nunca se marchó. En la década de 1930 fue desplazada de primera línea por los dibujos animados sonoros dirigidos al público infantil, mas continuó existiendo. Por años se mantuvo vigente en forma de cortometrajes artísticos y experimentales creados para un público adulto e intelectual. 

Hoy se ha democratizado, ofreciendo relatos para todas las edades y gustos, y utilizando las más variadas técnicas creadas en más de un siglo de historia de la animación.

Sita y el tigre, de William Martinez y Zachariah Tolchinsky.

Rebooted (Australia, 2019), de Michael Shanks.

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Este artículo forma parte del especial temático

El cine silente en la era sonora