10 películas perdidas que amaría ver

Ayer Estados Unidos conmemoró el Día del Cine Mudo. Y como tal día no existe en el resto del mundo, decidí unirme a la celebración creando una lista de películas silentes perdidas que me gustaría ver.

Suele afirmarse que el 90 % del cine mudo se ha perdido por diversas razones: Descuido (las películas de nitrato se pudren y son inflamables), intencionalidad (con la llegada del sonoro muchos estudios se deshicieron de sus películas silentes) o error (se destruyeron originales al tomárseles por copias). Parece una pérdida enorme y por lo mismo existe un sector de aficionados al cine silente que saltaría de una montaña si eso lograra la aparición de determinado filme.

Las películas perdidas (o desaparecidas) más anheladas parecen ser: 

-London after midnight (Tod Browning, 1927), una historia de supuestas casas embrujadas protagonizada por Lon Chaney.

-Los cuatro diablos (F.W. Murnau, 1928), historia de amores en el mundo circense.

-Cleopatra (J. Gordon Edwards, 1917), una suntuosa producción a mayor gloria de la vampiresa Theda Bara.

-La cabeza de Jano (F.W. Murnau, 1920), versión libre de El extraño caso del Doctor Jekyll y Mr. Hyde con el extraordinario Conrad Veidt en el doble rol.

-La divina (Victor Sjöström, 1928), drama amoroso en tiempos de guerra estelarizado por Greta Garbo.

Estaría feliz de ver estas películas, especialmente La cabeza de Jano, uno de los cuatro trabajos perdidos de la dupla Murnau-Veidt; siempre es un gusto ver a Conrad Veidt en una película silente. También La divina, que tiene como coprotagonista a mi querido Lars Hanson (Greta Garbo me es indiferente). Sin embargo ninguna de estas películas perdidas-desaparecidas está en mi lista de más anheladas. De hecho, hasta recientemente no tuve una lista de películas perdidas que ansiara ver. Todavía no he tenido oportunidad de visualizar muchas de las silentes disponibles que me interesan, así que me obsesiona más lo posible que lo imposible. Sin embargo, luego de leer aquí y allá acerca del asunto decidí hacer mi lista. Tengo que confesar que no hay mucho que me entusiasme a un nivel superior. Insisto: Existen muchas películas perdidas que estaría encantada de ver si aparecieran, mas no es un tema que me quite el sueño.

Imagen promocional de Cleopatra.

A futuro mi interés puede cambiar, pero por ahora, de menos a más, estas son las 10 películas silentes perdidas o desaparecidas que amaría ver:

10) Londres 

(London, Herbert Wilcox, 1926, Inglaterra).

Historia de Mavis Hogan (Dorothy Gish), una inocente huérfana londinense asediada por un chino malvado (Gibb McLaughlin) y amada por un pintor (Adelqui Migliar). Tras escapar de su miserable hogar en Limehouse, Mavis es protegida por una dama que la introduce en la alta sociedad. La joven se adapta rapidamente a una vida acomodada, pero una desilución amorosa la obliga a regresar a Limehouse.

Las películas ambientadas en Limehouse fueron un subgénero propio durante la era silente. Solían desarrollarse en lo que entonces era el barrio chino de Londres, lugar percibido como peligroso, inmoral y completamente extraño al resto de la capital. Las protagonistas eran bellas e inocentes muchachas inglesas perseguidas por tipos sombríos y malintencionados. Siento curiosidad por ver a Dorothy en una de estas historias, y además acompañada de Adelqui Migliar, el único actor chileno que desarrolló una carrera internacional durante el cine silente. 

9) Una hoja en la tormenta… pero el destino se la llevó
(Ein blatt im sturm… doch das schicksal hat es verweht, ¿Fern Andra?, 1917, Alemania).
Melodrama protagonizado, escrito y probablemente dirigido por Fern Andra, una de las actrices más populares del cine alemán de los años 10. La trama la presenta como Fern, novia del mediocre y enfermo pintor Alfred (Alfred Abel), al que engaña diciéndole que obtuvo el dinero para su tratamiento médico vendiendo sus cuadros. Ya recuperado, Alfred descubre la verdad y actúa de la peor manera ante aquella mentira destinada a levantar su espíritu: Abandona a Fern y se compromete con otra. Decepcionada de los hombres, Fern se entrega a varias aventuras amorosas sin sentido y hasta llega a comprometerse con el hermano de su rival. El final debió ser bastante desdichado.
El melodrama amoroso no  es mi tipo de película pero esta obtuvo mi atención por su protagonista, su poético título y la belleza de sus imágenes que sobrevivieron en tarjetas postales de la época.

8) La dama de las camelias
(Damen med kameliorna, Olof Molander, 1925, Suecia).
Versión sueca de la célebre novela de Dumas hijo. Relata los amores entre Margarita (Tora Teje), una "mantenida" de lujo, y Armand (Uno henning), el joven ocioso que intenta idealizarla. Sí, la historia no es agradable, pero el cine siempre ha pasado de largo sobre sus aspectos más molestos para convertirla en una hermosa y trágica historia de amor. El cine sueco está entre mis favoritos de la era silente y Uno Henning ocupa un lugar destacado en mi lista de galanes de la época, así que amaría verlo en ropas del siglo XIX.
NOTA: Ignoro si esta película realmente se considera perdida. Busqué información sobre ella en diversas páginas y lo único que encontré fueron fotografías promocionales, así que la doy por perdida.

7) Drakula
(Drakula halála, Károly Lajthay, 1921, Hungría y Austria).
Primera película sobre el vampiro Drácula, aunque la historia no adapta la novela de Bram Stoker, sólo toma el nombre de su personaje. 

La joven costurera Mary Land (Lena Myl) visita a su padre que está internado en un manicomio próximo a Viena. Allí conoce a un paciente (Paul Askonas) que asegura ser el conde Drakula (transcripción húngara de Drácula). El hombre es delgado y pálido, tiene orejas puntiagudas, colmillos afilados y garras. Mary comienza a tener visiones con él y pronto es incapaz de discernir entre fantasía y realidad. Ya fuera del asilo, Mary se casa con su novio (Dezső Kertesz) pero las visiones persisten.
La historia no parece muy interesante, pero siendo la primera película de un personaje literario que en el cine ha crecido, evolucionado, degenerado y mutado, merece un lugar entre los filmes perdidos cuya búsqueda debiera ser imprescindible.

6) La falsa Asta Nielsen
(Die falsche Asta Nielsen, Urban Gad, 1915, Alemania).
La gran Asta Nielsen en dos papeles muy diferentes; por un lado es una joven que aprovecha su gran parecido con la actriz para entrar en el mundo del cine, y por el otro es ella misma, la siempre encantadora Asta Nielsen. Se trata de una comedia de equivocaciones donde Asta hace gala de su talento para la farsa. Ella sabe actuar pero su doble no, lo que provoca varios enredos y problemas.
Muchas películas de Asta se encuentran desaparecidas, pero esta me atrae de manera particular por la curiosidad de verla interpretando una versión de sí misma. En 1914 hizo algo similar en La banda de Zapata (Urban Gad), aunque sin profundizar en su condición de estrella cinematográfica como sucede acá.

5) Dolken
(Mauritz Stiller, 1915, Suecia).
El debut cinematográfico de Lars Hanson. Parece ser un drama de chantaje sexual donde Lars interpreta… ignoro a quien, pero ciertamente no al chantajista, así que no me asusto. Se conservan algunas fotografías promocionales que muestran a Lars con los ojos muy maquillados y el cabello oscuro y rizado, pero no explican mucho y eso me desconcierta. La película significó el comienzo de la exitosa colaboración entre Lars y el director Mauritz Stiller y el inicio una carrera excepcional que todavía necesita una justa revalorización.

4) Nocturno de amor
(Nocturno der liebe, Carl Boese, 1919, Alemania).
Una revisión de la vida de Frédéric Chopin con mi amado Conrad Veidt interpretando al afamado compositor romántico. Chopin, romanticismo y un muy joven Conrad Veidt en el rol de un gran músico, ¿qué más podría desear? Que al menos existieran algunas reseñas y fotos de la película para atenuar un poco el ansia de verla. No hay absolutamente ninguna, lo que me ha llevado incluso a sospechar que la película nunca existió. Espero estar equivocada.

3) kurfürstendamm
(Richard Oswald, 1920, Alemania).
Posible comedia "satánica" protagonizada por el expresivo y guapo Conrad Veidt. No existen fuentes que detallen bien la historia, pero parece ser algo así: Aburrido del infierno, el diablo (Conrad Veidt) decide trasladarse a la popular calle berlinesa Kurfürstendamm, lugar de donde proceden muchos de sus clientes. Su abuela le regala una prensa para falsificar billetes y el diablo se instala en la pensión Elvira. Allí conoce a todo tipo de gente, incluidas la descarada Lissy, la cocinera Marie y una joven mestiza, las tres interpretadas por la sorprendente Asta Nielsen. El diablo vive muchas experiencias humanas e incluso produce una película en la que participa personificándose a sí mismo, pero luego de ser golpeado y robado en un callejón decide que los bajos fondos de Kurfürstendamm son demasiado terribles para él y regresa a su amado infierno junto a su abuela.
La historia parece delirante y las escasas imágenes conservadas fascinan. Conrad de diablo con cola y cuernos, y Asta en tres roles… ¡Necesito una copia de esto ya!

2) Hacia Oriente
(Till österland, Gustaf Molander, 1926, Suecia).
Esta es la última película de la tetralogía Jerusalén, adaptación de la novela homónima de Selma Lagerlöf que narra la historia de los Ingmar y su lucha por conservar la granja y prestigio familiar mientras algunos emigran a Tierra Santa. 

Filmada parcialmente en la auténtica Jerusalén, es la única de la saga que se considera perdida y la segunda protagonizada por el gran actor y galán sueco Lars Hanson, a quien simplemente amo. Se conserva aproximadamente media hora de película, pero es insuficiente para conformar a cualquiera que haya visto las anteriores, en especial la tercera (mi favorita), que termina con un intrigante final abierto. Para colmo existen muchas espléndidas fotos promocionales y de producción que sólo aumentan el apetito del espectador, incluyendo algunas de Ingmar Ingmarson (Lars Hanson) convertido en un peregrino ciego.

   
1) Homúnculo
(Homunculus, Otto Rippert, 1916, Alemania).
Oscura historia sobre un hombre sin alma creado en un laboratorio de magia y ciencia y su horrible destino como cruel dictador. 

Este serial alemán protagonizado por el astro danés Olaf Fønss es una de las películas perdidas más enigmáticas y buscadas del cine germano. Quizá precisamente por no haber sobrevivido más que en fragmentos muy definidos que hacen imaginar demasiado sobre lo que falta. Está el inicio, parte del centro y también la escena de desenlace. Unidos, estos fragmentos son maravillosos; la historia parece transcurrir en un universo paralelo donde todos saben de Homúnculo y temen su presencia, pero los hombres son incapaces de enfrentarlo y las mujeres se enamoran de él. Realmente quisiera ver completo este serial. Desde El Golem (1920) a Alraune (1928), pasando por Metrópolis (1927), nadie cuenta historias sobre malignos seres artificiales en la forma oscura que lo hacen los alemanes. Además su diseño es muy llamativo para cualquiera que, como yo, ame el vestuario de los grandes villanos masculinos de principios del siglo XX. Las imágenes de Olaf Fønss perfilado contra el cielo con capa y sombrero son demasiado irresistibles, así que la recuperación de Homúnculo sería para mí un sueño realizado.
NOTA: Fuentes interesadas en la recuperación de películas perdidas afirman que Homúnculo existe pero los dueños de sus diversas partes no se han puesto de acuerdo sobre como efectuar la unión y restauración del material. Esta afirmación lleva algunos años circulando por Internet pero no ha sido confirmada ni desmentida por ninguno de los supuestos poseedores de fragmentos del mítico filme. Seguiré esperando.

¡La cinematografía y entintado son bellísimos!

Interacción con animales: 5 momentos inolvidables

Seamos sinceros: Amamos las películas con animales. Sean parte importante de la trama o un agregado más, los animales roban la atención y sus escenas permanecen nítidas en la memoria incluso si el resto de la película se va borrando. De las muchas película vistas en mi infancia hay una de la que sólo recuerdo una escena centrada en un perro negro: Los chicos protagonistas lo disfrazan de anciana en silla de ruedas para poder meterlo a un museo que prohíbe las mascotas... Me pregunto de que iba realmente esa película...

He visto varias películas silentes que incluyen animales en lugares destacados. En Vida de perro (1918) el compañero de infortunios de Chaplin es un simpático perrito que hasta le sirve de almohada. En El hombre que ríe (P. Leni, 1928) está el perro que personifica al lobo Homo e incluso es acreditado; en Go west (B. Keaton, 1925) se va todavía más lejos: ¡La coprotagonista es la vaca Brown eyes!
Para memorables prefiero las apariciones de animales en películas donde su inclusión es importante pero breve, cumple una función anecdótica o accesoria, o simplemente es irrelevante pero inolvidable. Por ejemplo, el perro marinero en La llamada del mar (H. Szaro, 1927) y el pobre perico ladrón de joyas de El amor de Jeanne Ney (G.W. Pabst, 1927).
Hay muchas escenas y secuencias de interacción humano-animal que se han quedado pegadas en mi memoria. Unas graciosas, otras tiernas y varias muy tristes. Aquí, en orden aleatorio, cinco de esos momentos.
 

1) Miguel Strogoff y su caballo
Película: Miguel Strogoff (Michel Strogoff, Viktor Tourjansky, 1926, Francia).
Huyendo de noche de los malvados tártaros, el correo zarista Miguel Strogoff (Ivan Mozzhukhin) intenta despistarlos saltando de su hermoso caballo blanco al de un tártaro que consiguió matar. Al amanecer, ya sin caballo, logra llegar a Kolyvan y refugiarse en una oficina telegráfica en medio de la nada. Su fiel caballo, que le siguió el rastro durante toda la noche, llega hasta ahí poco antes que los tártaros. Estos bombardean el lugar y el caballo introduce la cabeza por una de las ventanas destruidas. Sorprendido y feliz de recuperar a su caballo, Miguel ignora el caos que lo rodea y abraza la cabeza del animal. Enseguida sale para encontrarse con él. Hay un bonito montaje de Miguel y el caballo mirándose como si realmente pudieran comprenderse. Miguel sonríe con ternura, ajeno a todo menos a su hermoso caballo, pero este gira la cabeza para mirar a la horda tártara que ya está casi sobre ellos, y una bala lo mata. Miguel se deja caer a su lado. Consternado y adolorido, acaricia la cabeza del caballo mientras los tártaros desmontan y avanzan hacia él con sus espadas en alto. Miguel se inclina sobre el caballo sin dejar de acariciarlo y observa a sus enemigos como si recién descubriera su presencia.  
La secuencia es maravillosa. Tiene una gran persecución, algo de humor a cargo de dos personajes secundarios, mucha tensión y ese hermoso, inteligente y fiel caballo blanco. Mozzhukhin es completamente mágico y lindo en toda su interacción con él. Su dolor y aturdimiento final, aun mostrado en pocos segundos, se siente tan genuino que hizo sacudir mi corazón.

2) Homúnculo y su perro
Película: Homúnculo (Homunculus [fragmento], Otto Rippert, 1916, Alemania).
Los habitantes de una ciudad-estado persiguen a Richard Ortmann (Olaf Fönss), el homúnculo, el hombre sin alma creado en un laboratorio, para matarlo por el temor que les inspira. Su fiel San Bernardo, su amigo Rodin y la princesa Illiana se unen a él y todos se ocultan en las ruinas de un castillo árabe. La muchedumbre prende fuego a la entrada y cuando el San Bernardo sale a enfrentarlos, lo matan a pedradas. En otro lado del castillo Homúnculo usa su fuerza sobrehumana para doblar los barrotes de hierro de una ventana, y él y sus amigos humanos consiguen salir a un patio interior. Allí Homúnculo descubre la ausencia de su amigo perruno y no duda en regresar a buscarlo. Encuentra el cadáver del pobre animal tirado en la entrada, y entonces grita y llora maldiciendo al cielo. El humo del incendio pasa sobre él, pero cegado de dolor por la pérdida de su mejor amigo, Homúnculo no lo siente ni ve. Levanta el enorme cadáver y lo lleva hasta el patio interior. Illiana y Rodin son conscientes de su dolor, mas no pueden consolarlo. Homúnculo lleva el perro fuera del castillo y cava una tumba. Llora sobre él y concluye: “Pobre bestia, has pagado tu apego a mí con la vida. Quedarás para siempre en mi recuerdo”. Luego lo entierra y se levanta, todavía herido pero también lleno de odio contra la humanidad.  
Homúnculo es una de esas viejas películas incompletas y borrosas cuyo argumento, decorado, vestuario y actuación la convierten en objeto de fascinación. Todo en ella es irreal, oscuro y atractivo. La amistad entre el protagonista, un hombre artificial condenado a no amar, y el perro vagabundo que acude a su lado sin temor, está entre los elementos más destacados. El San Bernardo se mueve y corre con libertad, lleno de la energía que falta a su compañero. Incluso sube un monte empujado por Illiana. Luego la película se vuelve perturbadora: El cadáver del perro es demasiado realista. ¿Lo mataron para filmar esas escenas? La idea me molesta, así que elijo creer que consiguieron los restos de otro perro o drogaron al del serial.

3) Gunnar y los renos
Película: La saga de Gunnar Hedes (Gunnar Hedes saga, Mauritz Stiller, 1923, Suecia).
Deseando emular a su abuelo, un violinista ambulante que se hizo rico trasladando y vendiendo una manada de renos,  el joven Gunnar (Einar Hanson) decide comprar y llevar sus propios renos hacia el mercado del sur. Acompañado por tres experimentados lapones, Gunnar hace lo posible por controlar su enorme rebaño, pero una tormenta perturba a los animales, y el reno guía intenta escapar. Separado de sus compañeros por un accidente, Gunnar se queda solo con su manada que echa a correr en estampida. El joven se ata a la cintura la cuerda con que sujeta al reno guía, mas el animal se lanza en persecución del grupo arrastrando brutalmente a Gunnar por la nieve a lo largo de varios kilómetros salpicados de piedras. Cuando finalmente los compañeros de Gunnar lo encuentran, el joven ha enloquecido de horror y alucina con un reno negro de astas descomunales.
La de los renos es la secuencia más emocionante de La saga de Gunnar Hedes. En ella Stiller ejemplifica el desorden de ideas de Gunnar a través de un violento y a la vez poético episodio de caos y brutalidad natural. La maestría habitual de Stiller logra que la imagen de cientos de renos corriendo salvajemente en la nieve no se olvide con facilidad.  

4) Susie y su vaca
Película: El corazón leal de Susie (True heart Susie, D.W. Griffith, 1919, Estados Unidos).
Susie (Lillian Gish), una sencilla joven campesina, está apenada porque su amado Bill (Robert Harron) no puede pagar sus estudios en la ciudad y convertirse en un hombre ilustrado. Mientras medita en esto en medio del campo, su vaca Daisy, a la que considera una hermana, se acerca a ella y Susie le comparte sus penas. Luego la besa, abraza su cuello y llora de tristeza al descubrir la solución: Vender a su querida vaca y algunas aves de la granja. Cuando el posible comprador de la vaca se muestra conforme con esta, Susie le hace firmar una promesa escrita de que tratará a Daisy como parte de su familia. El hombre se toma la solicitud con bastante simpatía y la firma sin discutir. Susie besa y abraza la cabeza de Daisy y la deja marchar.
Lillian Gish es demasiado bonita y creible como la pequeña campesina enamorada. La manera en que habla y abraza a la vaca está llena de ternura, y por lo mismo entristece que deba venderla. La relación de ambas es la de dos amigas donde una se ve obligada a engañar a la otra, mas no por ello deja de amarla. Si Susie tuviera opción jamás vendería a Daisy, pero dividida entre su amiga y su gran amor, elige a su amor. 

5) Napoleón y su águila

Película: Napoleón (Napoleon, Abel Gance, 1927, Francia). 

El joven Napoleón Bonaparte (Vladimir Roudenko) es infeliz en el colegio. Su único amigo es un águila, espléndida ave que le fue obsequiada por su tío. El muchacho mantiene al águila en una jaula y acude a alimentarla a diario, siendo estos sus momentos de felicidad. Pero un frío día de invierno dos desagradables chicos que odian a Napoleón liberan al águila y esta vuela fuera del colegio. Al descubrir lo sucedido Napoleón provoca una pelea de almohadas en el dormitorio y como castigo es encerrado en una habitación donde se guarda un cañón. Solo y triste, el chico llora sentado en el cañon mientras afuera nieva copiosamente. El frío se cuela por una ventana abierta, pero Napoleón ni siquiera lo siente. Y entonces el águila regresa. Se posa en un árbol cercano a la ventana y enseguida entra en la habitación, para gozo del muchacho, que acaricia suavemente el húmedo plumaje de su amigo. 

El joven Vladimir Roudenko es grandioso en su papel. Los primeros planos de su rostro bañado en lágrimas conmoverían al más duro. Enternece verlo alimentar al águila y luego su genuina emoción cuando esta regresa. El que sería conocido como "El águila imperial" es mostrado como un joven valeroso y apasionado, pero también solitario, malancólico y a ratos frágil. Su amor hacia el águila humaniza a una figura ya legendaria. 

La canción de la flor escarlata (Mauritz Stiller, 1919)

Esta primera de cuatro adaptaciones cinematográficas de la exitosa novela homónima de Johannes Linnankoski La canción de la flor escarlata (Sången om den eldröda blomman), es una encantadora película sueca que contiene hermosos paisajes naturales, poemas en los carteles, e imágenes de juegos, bailes y conducción de troncos por las aguas. Todo esto como parte de la historia de un joven enamoradizo y voluble cuya imprudencia y rebeldía le llevan a un enfrentamiento generacional que acarrea más de una consecuencia. Mujeres de distinto lugar y clase social marcan su vida en un viaje de exploración y autodescubrimiento, señalando el camino hacia la adultez. 

Resumen: ALERTA DE SPOILER
Olof Koskela (Lars Hanson), hijo único de una adinerada pareja campesina, tala árboles en el bosque anhelando la aparición de una sirena. Quien aparece es la joven pastora Annikki (Greta Almroth). La sencilla muchacha no es precisamente una sirena, mas Olof no mira esos detalles cuando se trata de galantear a una joven. Por su parte Annikki, que probablemente no recibe mucha atención masculina, acepta más que encantada las lisonjas del muy guapo talador.

Algunos días después ambos se unen a otros jóvenes en un curioso juego de cortejo donde dos hombres persiguen a una chica. Olof consigue a atrapar a la sirvienta Elli (Lillebil Christensen), una linda coqueta de cabellos oscuros, y la atracción mutua hace que de inmediato olvide a la pobre Annikki. 

Una noche la nueva pareja se reúne en el granero de los Koskela. La madre de Olof (Louise Fahlman), sospechando que este se entiende con alguna joven, lo sigue hasta el lugar. Debo señalar a favor de Olof que al saberse descubierto sale del granero, impidiendo así que su madre descubra a Elli. Esta, desde una ventana con vidrios rotos, lo observa alejarse. El estado ruinoso de la ventana presagia el fin de la relación y la caída social de ambos jóvenes.

Celosas de Elli, las otras sirvientas de la granja le tienden una trampa que revela lo sucedido. A la mañana siguiente el señor Koskela (Axel Hultman) recrimina duramente a su enfurruñado hijo. La escena es magnífica; se siente el fuerte choque de caracteres de padre e hijo, cada uno sólidamente aferrado a su posición. La madre, consciente de la obstinación de ambos, sólo puede llorar, segura del desenlace de los acontecimientos. 

Olof no trata de justificarse. Desafiante, expresa su intención de casarse con Elli, a lo que el padre responde sacudiéndolo y dándole un par de palos. Por cierto que el segundo golpe se ve bastante realista, aunque ignoro si lo fue. Olof se defiende y su padre lo acusa de ser un vago (y recordemos que abre la película talando árboles) y lo expulsa de la casa. Elli también es expulsada y los dos toman rutas opuestas en el mismo camino. Las tomas de ambos en el camino son hermosas y elegantes. Llama mi atención que en esos tiempos el campo sueco ya dispusiera de iluminación eléctrica. Se pueden ver los postes del cableado eléctrico en el camino. ¿O son cables telegráficos? De cualquier forma se trata de una tecnología que tardaría todavía unas décadas en llegar a mi entonces lejano país. 

Tiempo después Olof se ha unido a una cuadrilla de taladores que trasladan sus troncos por el río Kohiseva. No parece extrañar mucho su hogar: Canta, ríe, fuma, bebe, y luce espléndido con botas y chaqueta de cuero. Hay una primera toma de Olof caminando sobre un tronco que usa a modo de balsa. Ignoro como hacen eso los taladores, pero me sorprende que Lars pudiera flotar con tanta gracia.

Al regresar del trabajo, los compañeros de Olof lo desafían a hablarle a Kyllikki Moisio (Edith Erastoff), la muy orgullosa hija única del hombre más rico de los alrededores. Por cierto que ella luce demasiado mayor para ser una codiciada joven heredera. Al filmarse La canción de la flor escarlata Edith Erastoff tenía 32 años y Lars Hanson 33; Greta Almroth tenía 31 y Lillebil Christensen sólo 19. El asunto es que Edith se ve mucho mayor comparada con los otros actores, y esto se acentúa al estar interpretando a un personaje joven. Se puede ser pastora o sirvienta a cualquier edad, pero ninguna rica heredera campesina estaría soltera después de los 25 años, no se lo permitirían, así que Kyllikki debe rondar los 20 y no, no me lo creo. Al menos no de inmediato. El talento de la actriz hace que a la larga la edad evidente deje de ser un problema. Mi consejo es que se esfuercen por entrar en el juego cuanto antes o de lo contrario no disfrutarán del simpático primer encuentro entre Olof y Kyllikki. El lenguaje corporal de ambos es magnífico y también los intertítulos; realmente amo esta secuencia. 

Olof acepta el desafío y se aproxima a la cerca de Kylliki a paso galante y con una encantadora expresión de seductor indeciso. Ella lo ve y adopta una actitud estudiadamente despectiva aunque no hace nada por alejarse. Olof la observa en silencio por un rato, planeando su estrategia; mientras, se mueve para ser observado, exhibiéndose ante ella como un caballo de feria. Kyllikki insiste en fingir que no se ha impresionado, pero es evidente que el guapo talador ya está haciendo palpitar su orgulloso corazón. Sí, él es sólo un leñador vagabundo, ¡pero que lindo es y como le favorece esa chaqueta de cuero! Y sus botas de tacón bajo, ¿no son un encanto? Sí, lo son.

Olof pide a Kyllikki una de sus rosas, iniciando un cortejo donde las flores reemplazan la palabra amor. Al serle negada, Olof demuestra que él tampoco carece de orgullo. Le dice que si alguna vez siente que ha estimado demasiado sus rosas, deje una en la cerca. Kyllikki responde con altanería que ningún vagabundo tendrá sus rosas. Olof se marcha enojado y no olvida estas palabras.  

Un día los leñadores discuten si es posible bajar el río Kohiseva sobre un tronco. Se sabe de un joven que casi lo logró antes de ser arrastrado por las aguas y morir. Olof decide intentarlo para impresionar a la orgullosa heredera y conseguir su amor. 

La noticia corre y una multitud acude el día señalado para el desafío. Kyllikki también va. Muchos intentan disuadir a Olof de aquella locura, pero él se mantiene firme en su idea. Sube a un tronco y comienza a avanzar sobre el río. Esta es la parte más impresionante de la película. La cinematografía combina muy bien los hermosos grandes planos generales de Olof (seguramente para disimular el uso de un doble) navegando sobre la impetuosa corriente del río, con planos medios de los emocionados observadores del ''espectáculo''. El recorrido es largo y peligroso pero también muy emocionante; se crea una sensación de lucha por el dominio de la naturaleza, concretado cuando finalmente Olof alcanza su meta y es vitoreado por todos.  

Al día siguiente Olof descubre que Kyllikki ha dejado una rosa para él. Se inicia el romance y esta vez es real, pero Olof teme que el señor Moisio (Hjalmar Peters) le niegue la mano de su hija. Y en efecto, cuando finalmente se atreve a hacer la petición matrimonial Moisio lo arroja de su casa: Ninguna mujer de su familia se casará con un vagabundo. Es el revés de la situación inicial de Olof y Elli, rechazada por Koskela por su condición de sirvienta y por tanto indigna del hijo de un señor. Ahora es Olof quien está por debajo en la escala social. Se despide de Kyllikki, que promete esperarlo, y parte. Es el fin de la temporada de tala. Las otras jóvenes del pueblo también despiden a sus novios temporales.

Ahora Olof se encuentra en la ciudad. Nuevamente no parece irle muy mal, aunque es algo sospechoso verlo vagar por la calle en una noche lluviosa. Una delgada y bonita prostituta (Doris Nelson) se aproxima a él. Lleva un lindo traje a cuadros y se muestra alegre y vivaz. Olof parece decidirse a seguirla sólo cuando su sombrero ya no puede soportar el peso de la lluvia.

La prostituta tiene unas habitaciones decoradas con gusto y hasta elegancia; incluso posee un piano y una guitarra. ¿Podría ser una maestra de música que usa la prostitución para mejorar sus ingresos? Cuando el melancólico Olof rechaza sus avances, ella, siempre sonriendo, toca la guitarra y canta una canción que consigue hacerlo reír. Luego vuelve a rechazarla y entonces ella ofrece traer a una amiga más joven que acaba de empezar en la ''profesión''. La amiga es Elli. Ambos se sorprenden y horrorizan al reconocerse, y huyen el uno del otro, avergonzados de sí mismos.

Olof llega a un bar y se sienta de espaldas a un espejo. Al voltearse y chocar la vista con su reflejo siente que por primera vez se está viendo como realmente es. Luce ajado y sin atractivo, como alguien desgastado por la mala vida. Asombrado de su propio aspecto, Olof parece desdoblarse mientras por fin analiza y cuestiona sus actos. Las imágenes son casi expresionistas. Comprende el daño causado por sus acciones y decide enmendarlas en lo posible. ¿Renunciará a Kyllikki y se casará con Elli para devolverle el honor perdido? No se explica, pero es probable. Mas cuando regresa a casa de la prostituta descubre que la desdichada muchacha se ha suicidado. El daño causado a Elli ya no puede repararse; Olof debió casarse con ella cuando dijo que lo haría, ahora es tarde.  

Olof abandona la ciudad y se dirige al hogar paterno. Allí un joven pastor le informa que sus padres murieron el año anterior. También es tarde para enmendar ese daño. Visita el bonito y pulcro cementerio, donde recuerda las palabras de despedida de su madre: ''Eres igual que tu padre, no les importa si destruyen o construyen''. 

Entonces Olof razona en que ya destruyó bastante, ahora es tiempo de construir. Y hay sólo una mujer junto a la cual podrá levantar un hogar firme y honorable: Kyllikki. Olof va en su busca y ella lo ve llegar desde una ventana intacta y adornada con flores. Es lo opuesto a la ventana del granero, rota y vacía. Olof no viene a destruir sino a construir. 

Kyllikki se muestra dispuesta a seguirlo incluso contra la voluntad de su padre, quien decide que si se marcha será como llegó, desnuda. Esto no desalienta a Kyllikki, y Moisio no tiene más opción que dejarla partir con la ropa que lleva puesta. Luego Olof revela el nombre de su familia, cambiando por completo el humor del orgulloso señor.

La canción de la flor escarlata fue planificada para ser una película de éxito. Esto puede deducirse de algunos grandes nombres implicados en el proyecto: Mauritz Stiller en la dirección, Gustaf Molander en la elaboración del guion, Edvard Armas Järnefelt en la composición musical, y Lars Hanson en el rol protagónico. A ellos deben agregarse las cinco actrices y sus personajes no genéricos que sólo aumentan la calidad del filme. La película logró su cometido; fue un éxito sin precedentes en la cinematografía nacional logrando mantenerse por varias semanas en cartelera y obteniendo las mayores ganancias de una película sueca hasta ese momento. El éxito se repitió en el extranjero, siendo estrenada en casi cincuenta países alrededor del mundo.

Por su interesante historia, agilidad narrativa, grandes actuaciones y belleza visual, La canción de la flor escarlata es una película imprescindible del cine sueco. Posee imágenes y planos de maravillosa hermosura, destacando los paisajes naturales filmados en todo su esplendor. La primera escena, con Olof talando un árbol en medio del bosque, ya presenta imágenes admirables, sin embargo las más espectaculares son las del río Kohiseva, sobresaliendo las de Olof balanceándose en un tronco por las furiosas aguas. Ríos, corrientes y rápidos son usados como metáforas de la impetuosidad de nuestro joven talador, que desafía a las fuerzas de la naturaleza sólo para conquistar a la orgullosa heredera que le negó una flor. Por otro lado las imágenes de la ciudad, filmada de noche y con lluvia en oposición a la claridad primaveral del campo, poseen una belleza fría y formal que no carece de encanto. A su modo, la casa de la prostituta y el bar son sitios agradables y acogedores, aunque no para Olof.

Hermosa cinematografía.

Los incondicionales de Lars Hanson amarán esta película que lo consolidó como el gran astro del cine sueco. Él está en pantalla prácticamente durante toda la película y es filmados desde diversos ángulos. Un obsequio para la vista y la oportunidad de apreciar su talento único en un personaje que cambia y trasciende de un joven despreocupado a un hombre capaz de dirigir su vida con sensatez. No es un trabajo fácil, pero el carismático Lars siempre sabe hacerlo. Una de mis películas favoritas de Lars y del cine sueco.  

Lars...